Installé entre les couleurs froides qui l'habillent et un décor aux reflets chauds, Félix se tient à une certaine distance. Les mains refermées, bien que participant  de cette impression de distance, parlent d'action, d'énergie, d'une capacité de réalisation, d'une certaine proximité aussi.
En peinture (également),  il est difficile de véritablement dissocier un personnage de son environnment. Le va-et-vient du chaud et du froid parle du modèle, pas forcément de façon objective, mais plutôt de la façon dont il peut être perçu.
Sur ce portrait simple, j'ai à plusieurs reprises hésité entre un véritable réalisme et une forme ornementale qui, pour moi, se rapproche d'une forme d'abstraction. Abstraction du véritable souci de ressemblance, de vraisemblance. La chemise, par exemple, ne semble pas vraiment faite de tissu. La souplesse de ses plis tient davantage du papier qu'on aurait manipulé, peut-être même du métal. Autre exemple, les effets du mur (réalisés avec du film alimentaire sur peinture humide) créent une surface aux motifs aléatoires.
Simplification, juxtaposition ou contradiction avec la réalité, une approche qui s'est imposée dans cette peinture.
Félix reste donc à découvrir et ce portrait nous y invite.

Le portrait a beaucoup à voir avec la personnalité, avec ce qui se passe à l'intérieur. Avec ce qui en émane aussi, avec ce que nous en interprêtons, ce qui fait écho ou nous interpelle.
Voici un nouveau portrait de celui que j'ai présenté autrefois comme le "Petit Pirate": Arthur.

Portrait speaks about personality, what's going on inside oneself. About what emanates from that inside as well, meanwhile what we understand about it, responding to our understanding, or even surprising us.
Here is a new portrait of a friend once called the "Little Pirate", Arthur.
Enjoy!

Aucune couleur ne fascine autant que le bleu.
Il existe diverses raisons à cela.
Le bleu du ciel laisse penseur, optimiste lorsque le temps est radieux. Le bleu de la mer, aussi immense que le ciel, parle d'insondable, d'infini, de possibles renouveaux, d'abîmes insondables, froids et inquiétants, des non-dits de l'invisible, des chuchotements qui prennent la place des certitudes. Car le bleu est mystérieux. Sa froideur laisse deviner, interprêter. Elle ne s'avance pas vers nous.





Le bleu est calme, organisé. Austère parfois.
Il incarne la pensée logique, rationnelle, la faculté de raisonnement et d'abstraction. Il est aussi introversion et réflexion. Le bleu est mental.
Le bleu est symbole d'élévation. Mais on peut aussi se perdre en lui.





Il est tantôt clair, tantôt obscurci. Tantôt éveillé, tantôt endormi. Il éclaire et confond. Parfois opaque, parfois transparent.
Immatériel et indéfinissable bleu.





Mais le bleu n'est pas que froideur, loin de là. Il possède son propre langage et demande peut-être davantage d'attention. Il sait faire chanter ses complémentaires, s'effacer devant elles pour mieux les faire vibrer.
Une touche de rouge suffit à le réchauffer.
A l'image d'un bain de minuit, que seule la lune éclaire, le bleu est un appel irrésistible. Il étonne par sa douceur. Le plus grand risque ne serait pas de s'y noyer, mais plutôt simplement de le manquer!

Images: détails du Portrait Bleu, juin 2007.

Pour cette technique exigeant à la fois de la patience, un minimum d'expérience, de l'attention mais aussi une certaine détente intérieure, j'ai choisi de vous présenter quelques gestes essentiels.
Ces gestes, répétés et variés à l'infini, les uns après les autres, dans l'ordre qui s'impose à la création de votre travail, permettent une infinie variété d'effets que le médium aquarelle rend inimitables et chaque fois uniques.

Ce qu'il faut retenir en essence, c'est que l'eau abondante diffuse et dilue la couleur que l'on dépose sur le papier préalablement inondé. Il faut donc attendre un séchage de type "mat" pour intervenir de façon plus précise. Une couleur très diluée se diffuse plus largement, surtout sur papier très humide et vice versa: une couleur crémeuse se diffusera moins, surtout si le papier a déjà un peu séché.



Sur un papier préalablement humidifié, les couleurs se fondent entre elles, de façon aléatoire mais également dirigée. Quand l'imprévisible et l'inattendu rencontrent votre désir de créer.




L'inclinaison du papier permet de jouer avec la gravité, l'eau transportant avec elle le pigment. A vous de savoir où vous arrêter.


































La jonction de deux flaques d'égale humidité, à l'aide d'une brosse plate adaptée en terme de dimension, permet de réaliser un fondu impeccable.




Peindre à l'eau claire et ouvrir des blancs. Sur un lavis encore humide, ouvrir des blancs en utilisant de l'eau claire et un pinceau propre. On ouvrira également des blancs de la même façon sur peinture sèche, en utilisant un pinceau synthétique, plus nerveux. Dans ce dernier cas, le blanc peut être ouvert de façon très précise avec des contours très nets.




Peindre sur des cordons d'eau. Après avoir tracé à l'eau claire le motif désiré, on y injecte la ou les couleurs choisies. Le mélange se fait de façon relativement aléatoire.




Apporter des valeurs plus profondes sans les diffuser en utilisant une couleur plus épaisse. Tout est dit: si la peinture est de consisitance épaisse, elle ne va pas se diluer dans le lavis sur lequel on la pose. Sa diffusion va être très restreinte. On obtiendra ainsi un effet fondu, plus naturel, mais pas de perte d'intensité.




Le dépôt de sel sur la peinture humide permet des effets "étoilés" intéressants. Attention, laisser sécher longtemps, sans intervenir sous peine de tout gâcher. Si le sel laisse des traces grises sur la peinture terminée, ne pas hésiter à passer la gomme.


Sur la peinture terminée, on peut tout-à-fait continuer par une technique plus classique d'apport sur les lavis secs, peindre par glacis, etc.
L'association de diverses techniques permet d'enrichir votre travail.


Texte et photographies: Olivier Philippot, tous droits réservés.